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Speranza
This Faust Builds Atom Bombs (He Still Sings)
It is best to put aside any knowledge you may have of Goethe when attending a performance of Gounod’s “Faust.”
There is beautiful music — stirring ensembles and a few gotcha arias — in Gounod’s score.
But this melodramatic opera is anything but philosophical.
The standard rap against “Fausto” is that Gounod turns the characters into stereotypes, with music to match.
As Gounod presents him, Fausto, an embittered old philosopher who has signed a contract with the Devil, becomes
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just another in a line of dashing young
tenor heroes pining for a young woman
and showing off his top notes.
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Gounod’s Mefistofele seems far too charming to be malevolent.
And the pretty young Marguerite is a little shallow, smitten as much by a casket of jewels as by the young Fausto’s ardour.
Who cares?
This melodious opera has been ensnaring audiences since its 1859 Paris premiere.
[La Scala, 1862 -- with G. M. in the title role].
Still, it is better if a production does not look too deeply for elements of existential despair that are simply not in the piece, and that seems the problem with the new “Fausto” that the Metropolitan Opera presented on Tuesday night, a co-production with the English National Opera, directed by the two-time Tony Award winner Des McAnuff in his Met debut.
McAnuff’s acclaimed revival of “Jesus Christ Superstar” is coming to Broadway in the spring.
Peter Gelb, the Met’s general manager, who has been actively recruiting directors from the theatre world, brought McAnuff into the “Faust” project.
Tuesday’s performance was conducted by the impressively gifted Yannick Nézet-Séguin and starred the charismatic tenor
Jonas Kaufmann
in the title role.
The production, though rich with ideas and theatrically daring, is finally rather clinical and oppressive.
McAnuff intriguingly updates the story to the period between the world wars.
Fausto, usually presented as an old philosopher who feels he has wasted his life with fruitless scholarship, is here a middle-aged scientist, first seen wearing a sensible three-piece brown suit.
Fausto works in a big laboratory where the atomic bomb is under development.
The staging uses some effective video segments, including huge, mesmerizing black-and-white close-ups of Fausto’s and Marguerita’s faces.
There are moments of aching vulnerability in the dramatic performances that Mr. McAnuff draws from a talented cast.
We will not soon forget one image of the willowy soprano Marina Poplavskaya as Marguerita, her hair shorn short, wearing a baggy blue prison dress and thick leather shoes.
She is placed in a makeshift jail cell, having killed, in a fit of madness, the baby she bore Fausto.
But the grimness and irony that pervade the production feel imposed on Gounod’s opera, not drawn from it.
During the first scene I thought I was going to be swept away.
Robert Brill’s unit set is built of metallic, three-tiered scaffolding with spiral stairways and balconies on both sides.
Yes, tiered sets are becoming standard issue in new Met productions.
But this one is placed at the rear of the stage, not the front, and it frames the action dramatically, at least at first.
But before long, this modern metallic set feels constricting and intrusive.
As the music started, huddled masses walked slowly across the stage.
Twisted figures, presumably the condemned souls whose ranks Faust would soon join.
Though rather heavy-handed, it was a striking sight that captured the mood of the orchestral introduction, with its entwining lines and weighty harmonies, conveyed grippingly in the elegant, darkly textured performance Nézet-Séguin drew from the Met orchestra.
Soon the stage was filled with choristers portraying the scientists on the project, all in white lab coats with note pads in hand.
The costumes are by Paul Tazewell.
Méphistophélès, here the phenomenal bass René Pape, appears as a dapper gentlemen in a cream-white suit holding a fancy cane.
Imagine a diabolical William Powell.
To show the Devil transforming the aging Faust into an eager young man, Mr. McAnuff relies on good old-fashioned stage smoke.
Fausto disappears into a cloud and emerges in a matching white suit, now Mefistofele’s protégé.
I wish the production had had more touches as playful as this one.
The side staircases gave Fausto and Mefistofele vantage points from which to watch the crowd at the inn in Act II, as Valentin, Marguerite’s protective brother (the sturdy baritone Russell Braun), and his friend Wagner (Jonathan Beyer, a fresh-voiced young baritone in a Met debut) join soldiers going off to war.
Singing his chilling song about the golden calf, Mr. Pape’s Méphistophélès especially relishes the line that “Satan led the dance.”
At that moment the dancing crowd breaks into twisted, uncontrollable gyrations (the work of choreographer Kelly Devine).
But I could not imagine what was going on when a couple of soldiers manipulated a gigantic saluting soldier puppet.
And at the end of Act III, when Marguerite succumbs to Faust’s entreaties and Méphistophélès laughs in triumph, another gigantic figure appears, this one a monstrous thing in a black cloak.
Was it Voldemort, come to “Faust”?
Though the singers gave their all, this downer of a production sometimes undermined their work.
Kaufmann, a Met superstar who recently performed a rare song recital on the Met stage, is a handsome, vocally splendid Fausto.
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Kaufmann sang the pensive and romantic passages
with veiled dusky colourings and tender lyricism,
and unleashed pent-up power in full-bodied
phrases, capped by fearless high notes.
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Poplavskaya is a spontaneous, uninhibited artist whose singing, however compelling, can be uneven and quirky, as it sometimes was here.
Still, her sound was shimmering, plush and penetrating.
She excelled in the beautiful “Ballad of the King of Thule,” with its Renaissance-tinged modal harmonies.
And in the “Jewel Song,” in which Marguerite discovers the box of goodies, her scintillating coloratura runs, if not entirely accurate, were heady and ebullient.
Pape’s vocally stentorian Méphistophélès was all suavity and calculation.
The mezzo-soprano Michèle Losier brought a rich voice and impishness to the pants role of Siébel, Faust’s student, who loves Marguerite.
The fine singing and the glowing playing of the orchestra were weighed down by the staging in the final scene.
The delirious Marguerite regains her reason, resists Faust’s entreaties and prays for forgiveness in a soaring melody.
Her redemption is announced by an affirming celestial chorus and pealing organ.
There is nothing subtle about it.
Here, as Marguerite steadfastly climbs tiers of steps to meet her heavenly reward, the choristers, still in white lab coats, stand on the side balconies and stairs, looking oddly serious.
In a final image Kaufmann re-emerges as the weary old Faust in his study, who this time successfully completes his suicide through poison.
Was this the Devil’s way of exacting his due?
Was the whole episode with Marguerite Faust’s dream?
The ending of “Faust” is not exactly ambiguous.
The one thing no one in the audience should feel is confused.
Thursday, December 8, 2011
Tuesday, December 6, 2011
Emma Vecla
Speranza
martes 6 de diciembre de 2011
“LA VIUDA ALEGRE” DE Franz Lehár - TEATRO COLON DE BUENOS AIRES
Fotos: Teatro Colon de Buenos Aires
"La viuda alegre", opereta en tres actos.
Libro: Víctor Léon y Leo Stein. Música: Franz Lehár.
Elenco: Solveig Kringelborn, Matthias Hausmann, Lyuba Petrova, Benjamin Bruns, Reinhard Dorn, Norberto Marcos, Carlos Ullán, Gustavo Zahnstecher, Ernesto Bauer, Natalia Lemercier. Alejandro Meerapfel, Oriana Favaro, Rosemarie Klingenhagen, Marisú Pavón, Leonardo Estévez, Ariel Ramos. Iluminación: Roberto Traferri, Vestuario: Mini Zuccheri, Escenografía: Michael Yeargan, Coreografía: Rodolfo Lastra, Régie: Candace Evans, Ballet Lidia Segni, Coro: Peter Burian. Orquesta Estables del Teatro Colón Gregor Bühl
Franz Lehár, austriaco de nacimiento pero de ascendencia húngara, produjo 19 obras, siendo “La Viuda Alegre” su quinta composición y la que sin duda logró trascender hasta el presente como modelo en su género.
Luego de padecer durante años versiones en español, que desnaturaliza la obra y no dejan de filtrar un sabor a zarzuela, es de celebrar que el Teatro Colón brindará la versión original en alemán, ganando la obra considerablemente, como lo hizo Juventus Lyrica años atrás.
Siempre he creído que para cierre de una temporada, y en época estival, una obra más leve, argumental y musicalmente, es lo más adecuado y el público que concurrió el domingo pasado, en su mayoría turistas o gente no habitué del Colón, celebraron esta función.
Con una puesta "art nouveau" de singular belleza creada por estadounidense Michael Yeargan en el 2001, un magnífico vestuario de Mini Zuccheri, siempre elegante y en estilo, y una excelente iluminación de Roberto Traferri, la parte visual fue un regalo para la vista.
Desgraciadamente no tuvimos la misma suerte en la parte musical y vocal.
El maestro Gregor Bühl brindó una versión de trazos gruesos, tiempos acertados pero carente de sutilezas, que la partitura reclama, y con poco cuidado en la relación foso escenario.
Seguramente un Director más relacionado con el género hubiera sacado mucho más partido de la misma.
El Coro realizó una buena tarea, dentro del marco musical explicitado, mostrándose por momentos un poco estático, problema atribuible a la Reggie de Candace Evans.
Ella supo mover con sentido a los solistas, ayudada en la mayoría de los casos por el buen sentido actoral de los mismos.
Hubo buenos desplazamientos y algunos “gags” que fueron festejados.
Por momentos el Coro permaneció totalmente estático no favoreciendo a la puesta como un todo.
Rodolfo Lastra ideó una muy buena coreografía que fue ejecutada con brillantez por el Ballet estable, tanto en las primeras escenas como en el explosivo Can-Can.
Un muy buen trabajo.
Solveig Kringelborn, quien posee una muy buena figura y se mueve bien como actriz, está lejos de sus buenos tiempos vocales.
Su cantó sonó desparejo, con un centro casi inaudible, agudos destemplados y un persistente vibrato en toda su extensión.
Después de un año donde se repitieron muchos errores de casting me sigo preguntándome como el Teatro Colón hace las contrataciones.
Creo que en nuestro medio varias sopranos pueden hacer un más decoroso papel del rol e internacionalmente cientos.
Por lo menos un misterio…sin indagar más…Lyuba Petrova, a quien ya habíamos apreciado como una correcta Pamina, se mostró más cómoda en Valencienne.
Cantó con seguridad, buena afinación, aunque su volumen parece no ser el más indicado para una sala como la del Teatro Colón, moviéndose bien como actriz.
Matthias Hausmann, como Danilo, fue sin dudas el elemento más positivo del elenco.
Posee una importante voz de barítono lírico, canta con buena técnica, preciso estilo y es un muy buen actor.
Redondeó un trabajo ponderable y lo mejor desde el punto de vista vocal, ayudado además por su buena presencia escénica.
Otro punto positivo de la representación fue el tenor Benjamin Bruns (Camille de Rosillon), poseedor de una buena voz de tenor lírico-ligero, considerable volumen y un canto libre, en estilo y excelente fraseo.
Reinhard Dorn, (Barón Mirko Zeta), un bajo de larga trayectoria, cantó en buena forma y realizó una lograda composición del personaje.
Del amplio elenco cabe destacar a Gustavo Zahnstecher, acertadísimo Njegus, mostrando un gran despliegue actoral.
El resto del elenco local cumplió con corrección, adaptándose muy bien a un estilo al que no están acostumbrados.
Marisú Pavón (Zozó), muy desenvuelta pero en una parte tal vez algo grave para su registro, Alejandro Meerapfel (Kromow), Norberto Marcos (Vizconde Cascada), Leonardo Estévez (Pritschitsch), Ernesto Bauer (Bogdanowitsch), Carlos Ullán (Raoul de St. Brioche) y Rosemarie Klingenhagen (Praskowia) entre otros.
Una versión de “La Viuda Alegre” que no quedará en los anales del Colón, la Opera es básicamente canto y música y una muy buena versión visual no puede compensar otras falencias.
Pero Lehár se presta para pasar un rato agradable y tratar de pensar poco en la muy cuestionada próxima temporada.
martes 6 de diciembre de 2011
“LA VIUDA ALEGRE” DE Franz Lehár - TEATRO COLON DE BUENOS AIRES
Fotos: Teatro Colon de Buenos Aires
"La viuda alegre", opereta en tres actos.
Libro: Víctor Léon y Leo Stein. Música: Franz Lehár.
Elenco: Solveig Kringelborn, Matthias Hausmann, Lyuba Petrova, Benjamin Bruns, Reinhard Dorn, Norberto Marcos, Carlos Ullán, Gustavo Zahnstecher, Ernesto Bauer, Natalia Lemercier. Alejandro Meerapfel, Oriana Favaro, Rosemarie Klingenhagen, Marisú Pavón, Leonardo Estévez, Ariel Ramos. Iluminación: Roberto Traferri, Vestuario: Mini Zuccheri, Escenografía: Michael Yeargan, Coreografía: Rodolfo Lastra, Régie: Candace Evans, Ballet Lidia Segni, Coro: Peter Burian. Orquesta Estables del Teatro Colón Gregor Bühl
Franz Lehár, austriaco de nacimiento pero de ascendencia húngara, produjo 19 obras, siendo “La Viuda Alegre” su quinta composición y la que sin duda logró trascender hasta el presente como modelo en su género.
Luego de padecer durante años versiones en español, que desnaturaliza la obra y no dejan de filtrar un sabor a zarzuela, es de celebrar que el Teatro Colón brindará la versión original en alemán, ganando la obra considerablemente, como lo hizo Juventus Lyrica años atrás.
Siempre he creído que para cierre de una temporada, y en época estival, una obra más leve, argumental y musicalmente, es lo más adecuado y el público que concurrió el domingo pasado, en su mayoría turistas o gente no habitué del Colón, celebraron esta función.
Con una puesta "art nouveau" de singular belleza creada por estadounidense Michael Yeargan en el 2001, un magnífico vestuario de Mini Zuccheri, siempre elegante y en estilo, y una excelente iluminación de Roberto Traferri, la parte visual fue un regalo para la vista.
Desgraciadamente no tuvimos la misma suerte en la parte musical y vocal.
El maestro Gregor Bühl brindó una versión de trazos gruesos, tiempos acertados pero carente de sutilezas, que la partitura reclama, y con poco cuidado en la relación foso escenario.
Seguramente un Director más relacionado con el género hubiera sacado mucho más partido de la misma.
El Coro realizó una buena tarea, dentro del marco musical explicitado, mostrándose por momentos un poco estático, problema atribuible a la Reggie de Candace Evans.
Ella supo mover con sentido a los solistas, ayudada en la mayoría de los casos por el buen sentido actoral de los mismos.
Hubo buenos desplazamientos y algunos “gags” que fueron festejados.
Por momentos el Coro permaneció totalmente estático no favoreciendo a la puesta como un todo.
Rodolfo Lastra ideó una muy buena coreografía que fue ejecutada con brillantez por el Ballet estable, tanto en las primeras escenas como en el explosivo Can-Can.
Un muy buen trabajo.
Solveig Kringelborn, quien posee una muy buena figura y se mueve bien como actriz, está lejos de sus buenos tiempos vocales.
Su cantó sonó desparejo, con un centro casi inaudible, agudos destemplados y un persistente vibrato en toda su extensión.
Después de un año donde se repitieron muchos errores de casting me sigo preguntándome como el Teatro Colón hace las contrataciones.
Creo que en nuestro medio varias sopranos pueden hacer un más decoroso papel del rol e internacionalmente cientos.
Por lo menos un misterio…sin indagar más…Lyuba Petrova, a quien ya habíamos apreciado como una correcta Pamina, se mostró más cómoda en Valencienne.
Cantó con seguridad, buena afinación, aunque su volumen parece no ser el más indicado para una sala como la del Teatro Colón, moviéndose bien como actriz.
Matthias Hausmann, como Danilo, fue sin dudas el elemento más positivo del elenco.
Posee una importante voz de barítono lírico, canta con buena técnica, preciso estilo y es un muy buen actor.
Redondeó un trabajo ponderable y lo mejor desde el punto de vista vocal, ayudado además por su buena presencia escénica.
Otro punto positivo de la representación fue el tenor Benjamin Bruns (Camille de Rosillon), poseedor de una buena voz de tenor lírico-ligero, considerable volumen y un canto libre, en estilo y excelente fraseo.
Reinhard Dorn, (Barón Mirko Zeta), un bajo de larga trayectoria, cantó en buena forma y realizó una lograda composición del personaje.
Del amplio elenco cabe destacar a Gustavo Zahnstecher, acertadísimo Njegus, mostrando un gran despliegue actoral.
El resto del elenco local cumplió con corrección, adaptándose muy bien a un estilo al que no están acostumbrados.
Marisú Pavón (Zozó), muy desenvuelta pero en una parte tal vez algo grave para su registro, Alejandro Meerapfel (Kromow), Norberto Marcos (Vizconde Cascada), Leonardo Estévez (Pritschitsch), Ernesto Bauer (Bogdanowitsch), Carlos Ullán (Raoul de St. Brioche) y Rosemarie Klingenhagen (Praskowia) entre otros.
Una versión de “La Viuda Alegre” que no quedará en los anales del Colón, la Opera es básicamente canto y música y una muy buena versión visual no puede compensar otras falencias.
Pero Lehár se presta para pasar un rato agradable y tratar de pensar poco en la muy cuestionada próxima temporada.
I modelli di Narciso
Speranza
---
I modelli di Narciso a Genova
di Pittura
I modelli di Narciso A Genova fino all'11/2/2007
La Galleria d'Arte Moderna di Genova, dopo l'esordio nella sala delle Reali Poste alla Galleria degli Uffizi, ospita "I modelli di Narciso", una selezione dell'importante collezione di Raimondo Rezzonico, costituita da ben 297 autoritratti di artisti contemporanei.
Sono esposte cinquanta opere (tra dipinti, disegni e fotografie) selezionate all'interno della collezione. Non essendo semplice la scelta in un nucleo di opere così ampio e importante, il curatore dell'edizione fiorentina Antonio Natali, nonché direttore degli Uffizi, ha voluto privilegiare la qualità e la notorietà degli artisti. Si possono quindi ammirare gli autoritratti - specchio degli stati d'animo e dell'interpretazione di sé - nell'arco di un secolo, di molti maestri internazionali, tra i quali Afro, Giacomo Balla, Joseph Beuys, Francesco Clemente, Giorgio De Chirico, Achille Funi, Antonio Ligabue, Oscar Kokoschka, Fernand Léger, Mario Mafai, Henry Matisse, Giacomo Manzù, Guido Peyron, Francis Picabia, Michelangelo Pistoletto, Ottone Rosai, Georges Roualt, Gregorio Sciltian, Scipione, Mario Sironi, Giulio Turcato, Emilio Vedova, Victor Vasarely.
L'artista sceglie se stesso come modello; e ritraendosi accetta il gioco analitico che ognuno, con diversi gradi di competenza, praticherà sulla sua carne viva. La postura del corpo, lo scatto del volto, i lampi degli occhi, l'attitudine affettiva, il corredo d'oggetti: tutto sarà della sua effigie passato al vaglio. E l'esercizio d'una lettura introspettiva godrà di mille varianti, venendosi in esso a sommare le peculiarità psicologiche dell'artista e quelle dell'esegeta.
Accanto agli autoritratti di Filippo De Pisis, Felice Carena, Guido Marussig, Arturo Tosi, Ferruccio Ferrazzi ed Aligi Sassu, documentati nella collezione Rezzonico, compaiono le opere della Galleria d'Arte Moderna, frutto di un'accurata politica d'acquisti attuata alle Biennali di Venezia e alle più importanti mostre nazionali nel periodo tra le due guerre.
Si possono "rileggere" contestualmente anche gli autoritratti di artisti prevalentemente liguri - Giovanni, Antonio Orazio e Tullio Salvatore Quinzio, Alberto Helios Gagliardo, Antonio Giuseppe Santagata, Giulio Monteverde, Federico Maragliano, Donato Altamura, per ricordarne alcuni - già esposti in permanenza nel museo genovese, cui si deve un'attenzione particolare nell'acquisizione di tutto ciò che documenta l'artista, la sua carriera e il suo fare all'interno dello studio (dagli archivi cartacei agli arredi, ai cavalletti, alle tavolozze, ai pennelli, colori, strumenti e così via). Si segnalano inoltre due recenti donazioni: gli autoritratti di Egidio Oliveri (1911-1998) e di Severino Tremator (1895-1940).
Alla cura di Antonio Natali, si affianca la "personalizzazione" dell'edizione genovese della mostra proposta da Maria Flora Giubilei, direttore dei Musei di Nervi, con l'allestimento progettato dagli architetti Giulio Sommariva e Danilo Cafferata.
I modelli di Narciso
A Genova dll'11/10 all'11/2/2007
GAM - Galleria d'Arte Moderna - Villa Saluzzo Serra -
Via Capolungo
ORARIO: tutti i giorni 10.00 - 19.00, lunedì chiuso
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I modelli di Narciso a Genova
di Pittura
I modelli di Narciso A Genova fino all'11/2/2007
La Galleria d'Arte Moderna di Genova, dopo l'esordio nella sala delle Reali Poste alla Galleria degli Uffizi, ospita "I modelli di Narciso", una selezione dell'importante collezione di Raimondo Rezzonico, costituita da ben 297 autoritratti di artisti contemporanei.
Sono esposte cinquanta opere (tra dipinti, disegni e fotografie) selezionate all'interno della collezione. Non essendo semplice la scelta in un nucleo di opere così ampio e importante, il curatore dell'edizione fiorentina Antonio Natali, nonché direttore degli Uffizi, ha voluto privilegiare la qualità e la notorietà degli artisti. Si possono quindi ammirare gli autoritratti - specchio degli stati d'animo e dell'interpretazione di sé - nell'arco di un secolo, di molti maestri internazionali, tra i quali Afro, Giacomo Balla, Joseph Beuys, Francesco Clemente, Giorgio De Chirico, Achille Funi, Antonio Ligabue, Oscar Kokoschka, Fernand Léger, Mario Mafai, Henry Matisse, Giacomo Manzù, Guido Peyron, Francis Picabia, Michelangelo Pistoletto, Ottone Rosai, Georges Roualt, Gregorio Sciltian, Scipione, Mario Sironi, Giulio Turcato, Emilio Vedova, Victor Vasarely.
L'artista sceglie se stesso come modello; e ritraendosi accetta il gioco analitico che ognuno, con diversi gradi di competenza, praticherà sulla sua carne viva. La postura del corpo, lo scatto del volto, i lampi degli occhi, l'attitudine affettiva, il corredo d'oggetti: tutto sarà della sua effigie passato al vaglio. E l'esercizio d'una lettura introspettiva godrà di mille varianti, venendosi in esso a sommare le peculiarità psicologiche dell'artista e quelle dell'esegeta.
Accanto agli autoritratti di Filippo De Pisis, Felice Carena, Guido Marussig, Arturo Tosi, Ferruccio Ferrazzi ed Aligi Sassu, documentati nella collezione Rezzonico, compaiono le opere della Galleria d'Arte Moderna, frutto di un'accurata politica d'acquisti attuata alle Biennali di Venezia e alle più importanti mostre nazionali nel periodo tra le due guerre.
Si possono "rileggere" contestualmente anche gli autoritratti di artisti prevalentemente liguri - Giovanni, Antonio Orazio e Tullio Salvatore Quinzio, Alberto Helios Gagliardo, Antonio Giuseppe Santagata, Giulio Monteverde, Federico Maragliano, Donato Altamura, per ricordarne alcuni - già esposti in permanenza nel museo genovese, cui si deve un'attenzione particolare nell'acquisizione di tutto ciò che documenta l'artista, la sua carriera e il suo fare all'interno dello studio (dagli archivi cartacei agli arredi, ai cavalletti, alle tavolozze, ai pennelli, colori, strumenti e così via). Si segnalano inoltre due recenti donazioni: gli autoritratti di Egidio Oliveri (1911-1998) e di Severino Tremator (1895-1940).
Alla cura di Antonio Natali, si affianca la "personalizzazione" dell'edizione genovese della mostra proposta da Maria Flora Giubilei, direttore dei Musei di Nervi, con l'allestimento progettato dagli architetti Giulio Sommariva e Danilo Cafferata.
I modelli di Narciso
A Genova dll'11/10 all'11/2/2007
GAM - Galleria d'Arte Moderna - Villa Saluzzo Serra -
Via Capolungo
ORARIO: tutti i giorni 10.00 - 19.00, lunedì chiuso
I modelli di Narciso
"I modelli di Narciso"
A Genova
Tag: Autoritratto, Italia.
Approda alla Galleria d'Arte Moderna di Genova, dopo l'esordio - la scorsa primavera - nella sala delle Reali Poste alla Galleria degli Uffizi, una selezione dell'importante collezione di
Raimondo Rezzonico
-- costituita da ben 297 autoritratti di artisti contemporanei, acquisita di recente dalla Soprintendenza di Firenze per arricchire la celebre raccolta di autoritratti del più importante museo italiano.
Le opere degli Uffizi, cronologicamente in sintonia con le collezioni della Galleria genovese, saranno allestite, nelle sale dell’ultimo piano, in dialogo con alcuni dipinti già esposti permanentemente.
Saranno in mostra dall'11 ottobre
50 opere
-- tra dipinti, disegni e fotografie --
selezionate all'interno della collezione.
Non essendo semplice la scelta in un nucleo di opere cosi ampio e importante, il curatore dell'edizione fiorentina
*****Antonio Natali******,
nonché direttore degli Uffizi di freschissima nomina, ha voluto privilegiare la qualità, la notorietà degli artisti e la cronologia.
Si potranno ammirare gli autoritratti - specchio degli stati d'animo e dell'interpretazione di sè - nell'arco di un secolo, di molti maestri internazionali, tra i quali
Afro
Giacomo Balla
Joseph Beuys
Francesco Clemente
Giorgio De Chirico
Achille Funi
Antonio Ligabue
Oscar Kokoschka
Fernand Leger
Mario Mafai
Henry Matisse
Giacomo Manzu
Guido Peyron
Francis Picabia
Michelangelo Pistoletto
Ottone Rosai
Georges Roualt
Gregorio Sciltian
Scipione
Mario Sironi
Giulio Turcato
Emilio Vedova
Victor Vasarely.
L'artista sceglie se stesso come modello.
E ritraendosi accetta il gioco analitico che ognuno, con diversi gradi di competenza, praticherà sulla sua carne viva.
La postura del corpo, lo scatto del volto, i lampi degli occhi, l'attitudine affettiva, il corredo d'oggetti.
Tutto sarà della sua effigie passato al vaglio.
E l'esercizio d'una lettura introspettiva godrà di mille varianti, venendosi in esso a sommare le peculiarità psicologiche dell'artista e quelle dell'esegeta.
Alla curatela di Antonio Natali, si affianca la "personalizzazione" dell'edizione genovese della mostra proposta da Maria Flora Giubilei, direttore dei Musei di Nervi, con l'allestimento progettato dagli architetti Giulio Sommariva e Danilo Cafferata.
Accanto agli autoritratti di
Filippo De Pisis
Felice Carena
Guido Marussig
Arturo Tosi
Ferruccio Ferrazzi ed
Aligi Sassu
-- documentati nella collezione Rezzonico, compariranno le opere della Galleria d'Arte Moderna, frutto di un'accurata politica d'acquisti attuata alle Biennali di Venezia e alle piu' importanti mostre nazionali nel periodo tra le due guerre.
Si potranno "rileggere" contestualmente anche gli autoritratti di artisti prevalentemente liguri -
Giovanni
Antonio Orazio e
Tullio Salvatore Quinzio,
Alberto Helios Gagliardo,
Antonio Giuseppe Santagata,
Giulio Monteverde,
Federico Maragliano,
Donato Altamura
-- per ricordarne alcuni - già esposti in permanenza nel museo genovese, cui si deve un'attenzione particolare nell'acquisizione di tutto ciò che documenta l'artista, la sua carriera e il suo fare all'interno dello studio (dagli archivi cartacei agli arredi, ai cavalletti, alle tavolozze, ai pennelli, colori, strumenti e cosi via).
Sarà inoltre l'occasione per segnalare al pubblico due nuove donazioni alla Galleria d'Arte Moderna di Genova.
Gli autoritratti di
Egidio Oliveri (1911-1998) e di
Severino Tremator (1895-1940).
L'acquisizione della Collezione Rezzonico da parte della Soprintendenza Speciale per il Polo Museale Fiorentino, con i suoi 297 autoritratti è quella numericamente più cospicua dai tempi in cui il Cardinal Leopoldo de' Medici (1617 - 1675) dette vita alla collezione dei ritratti d'artista.
Una collezione che, per volere di Cosimo III (1642-1723) e con l'impegno di Filippo Baldinucci (1625-1696), ricevette nel 1681 un rinnovato impulso grazie a una sistematica catalogazione, in vista della collocazione agli Uffizi nell'anno successivo.
Altro importante contributo arrivo' nel 1981.
In occasione delle celebrazioni per i quattrocento anni della Galleria, l'allora direttore Luciano Berti invitò i maggiori artisti del secolo, o i loro eredi, a donare un proprio autoritratto.
Nello stesso anno arrivarono nelle stanze del museo centoquindici autoritratti e altrettanti nel biennio che segui.
E' del settembre 2005 la delibera che ha permesso l'acquisizione di questo corpus di 297 opere di maestri del Novecento che compongono la collezione di autoritratti di Raimondo Rezzonico, interessante anche per la varietà delle tecniche e dei supporti rappresentate (oli, disegni, stampe e qualche fotografia; tele, tavole, coppi, pvc e carte) a testimonianza delle sperimentazioni esercitate dagli artisti durante il secolo scorso.
La mostra - già curata nella prima edizione dalla Soprintendenza Speciale per il Polo Museale fiorentino con il sostegno dell' Associazione Amici degli Uffizi e della Provincia di Firenze nell'ambito delle manifestazioni de "Il Genio Fiorentino" - e' oggi organizzata a Genova dall' Assessorato alla Cultura - Settore Musei del Comune e dalla Direzione della Galleria d'Arte Moderna con la collaborazione del partner istituzionale Bagliani Immobiliare di Genova e una sponsorizzazione tecnica di Rai Teche, Istituto Luce, Tecnomare e Progress Fineart.
Uno stereotipo diffuso vuole lo Stato totalmente assente dal mercato dell'arte, per nulla interessato ad accrescere con acquisti mirati il suo patrimonio.
Questo non è vero o almeno non e' vero se riferito ai musei del Polo fiorentino. Negli ultimi dieci anni le collezioni statali della città si sono arricchite di opere d'arte per un valore complessivo di 37.208.881 euro.
Risorce
Video
I modelli di Narciso (Firenze)
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Sito
Galleria d'Arte Moderna - Genova
Scritto: da LuisB
Thursday, December 1, 2011
Emma Vecla
Speranza
Espectáculos
La opereta se dio en el Colón con gran desempeño de Matthias Hausmann y Benjamin Bruns
Notable puesta de "La viuda alegre"
01.12.2011 |
Por Carlos Ernesto Ure
Ficha técnica:
"La viuda alegre", opereta en tres actos.
Libro: Víctor Léon y Leo Stein.
Música: Franz Lehár.
Cantantes: Solveig Kringelborn, Matthias Hausmann, Lyuba Petrova, Benjamin Bruns, Reinhard Dorn, Norberto Marcos, Carlos Ullán, Gustavo Zahnstecher, Ernesto Bauer, Natalia Lemercier, Alejandro Meerapfel, Oriana Favaro, Rosemarie Klingenhagen, Marisú Pavón, Leonardo Estévez y Ariel Ramos.
Iluminación: Roberto Traferri.
Vestuario: Mini Zuccheri.
Escenografía: Michael Yeargan.
Coreografía: Rodolfo Lastra.
Régie: Candace Evans.
Ballet (Lidia Segni), Coro (Peter Burian) y Orquesta Estables del Teatro Colón (Gregor Bühl).
El martes 29, en el teatro Colón.
Fue decididamente magnífica la producción de "La viuda alegre", que el Colón presentó en la última función de su temporada lírica.
No sólo tuvo un marco escenográfico de bellísimos lineamientos "art nouveau", diseñado en 2001 por el estadounidense Michael Yeargan y criteriosamente iluminado por Roberto Traferri, sino que contó también con un vestuario de finísimos y elegantes diseños elaborado por Mini Zuccheri y una propuesta de muy ingenioso armado en sus pasos de comedia.
Residente en Nueva York, Candace Evans plasmó en efecto un esquema teatral singularmente aceitado y de atrayente dinámica.
Ajustada en desplazamientos y entradas, meritoria en ritmos, detalles y prolijos juegos actorales, su régie no dejó vacío alguno y se constituyó junto con los demás factores visuales en uno de los sostenes fundamentales de toda la representación.
BAILES Y CORO
Con coreografía creada por Rodolfo Lastra, vistosa, siempre lúcida y ceñida a la naturaleza ágil de la estupenda opereta de Franz Lehár, el cuerpo de baile estable, preparado por Lidia Segni se vio disciplinado y con figuraciones esbeltas, al tiempo que el coro de la casa, cuyo titular es el maestro vienés Peter Burian, mostró grata sonoridad, flexibilidad y homogeneidad (no fueron obviamente de su responsabilidad, sino del concertador, sus innumerables desencuentros con el foso).
Es que lamentablemente Gregor Bühl (¿quién podría explicar la contratación para el podio del teatro Colón de un director tan mediocre?) brindó una versión realmente burda de esta indiscutible obra maestra del repertorio ligero, traducción que osciló entre el circo y la antimusicalidad.
LOS CANTANTES
En el cuadro de cantantes solistas, las dos sopranos principales exhibieron voces pequeñas, de audición por momentos dificultosa.
La sueca [noruega] Solveig Klingenborn (Hanna Glawari) expuso además cierta rigidez y una ostensible opacidad en la zona central, mientras que la rusa Lyuba Petrov (Valencienne) exteriorizó llamativamente progresiva debilidad en el sector agudo.
En otros papeles, Marisú Pavón (Zozó), Rosemarie Klingenhagen (Praskowia) y Alejandro Meerapfel (Kromow), al igual que Norberto Marcos (Vizconde Cascada), Ernesto Bauer (Bogdanowitsch), Carlos Ullán (Raoul de St. Brioche) y Leonardo Estévez (Pritschitsch) se desempeñaron con corrección.
El veterano bajo Reinhard Dorn (Barón Mirko Zeta) realizó por su lado una impagable encarnación histriónica de su divertido personaje, igual que Gustavo Zahnstecher (Njegus).
Pero los intérpretes más destacados de la noche fueron sin duda el barítono austríaco Matthias Hausmann (Conde Danilo Danilowitsch), quien además de buena desenvoltura escénica, demostró estilo, sobriedad y tersa y esmaltada línea lírica, y el tenor alemán Benjamin Bruns (Camille de Rosillon), que acreditó metal franco, de excelente legato y depurada emisión.
Fueron desde ya de primer nivel su romanza "Wie eine Rosenknospe" y la categoría del fraseo en el dueto "Sie sind eine anstsndage Frau".
Espectáculos
La opereta se dio en el Colón con gran desempeño de Matthias Hausmann y Benjamin Bruns
Notable puesta de "La viuda alegre"
01.12.2011 |
Por Carlos Ernesto Ure
Ficha técnica:
"La viuda alegre", opereta en tres actos.
Libro: Víctor Léon y Leo Stein.
Música: Franz Lehár.
Cantantes: Solveig Kringelborn, Matthias Hausmann, Lyuba Petrova, Benjamin Bruns, Reinhard Dorn, Norberto Marcos, Carlos Ullán, Gustavo Zahnstecher, Ernesto Bauer, Natalia Lemercier, Alejandro Meerapfel, Oriana Favaro, Rosemarie Klingenhagen, Marisú Pavón, Leonardo Estévez y Ariel Ramos.
Iluminación: Roberto Traferri.
Vestuario: Mini Zuccheri.
Escenografía: Michael Yeargan.
Coreografía: Rodolfo Lastra.
Régie: Candace Evans.
Ballet (Lidia Segni), Coro (Peter Burian) y Orquesta Estables del Teatro Colón (Gregor Bühl).
El martes 29, en el teatro Colón.
Fue decididamente magnífica la producción de "La viuda alegre", que el Colón presentó en la última función de su temporada lírica.
No sólo tuvo un marco escenográfico de bellísimos lineamientos "art nouveau", diseñado en 2001 por el estadounidense Michael Yeargan y criteriosamente iluminado por Roberto Traferri, sino que contó también con un vestuario de finísimos y elegantes diseños elaborado por Mini Zuccheri y una propuesta de muy ingenioso armado en sus pasos de comedia.
Residente en Nueva York, Candace Evans plasmó en efecto un esquema teatral singularmente aceitado y de atrayente dinámica.
Ajustada en desplazamientos y entradas, meritoria en ritmos, detalles y prolijos juegos actorales, su régie no dejó vacío alguno y se constituyó junto con los demás factores visuales en uno de los sostenes fundamentales de toda la representación.
BAILES Y CORO
Con coreografía creada por Rodolfo Lastra, vistosa, siempre lúcida y ceñida a la naturaleza ágil de la estupenda opereta de Franz Lehár, el cuerpo de baile estable, preparado por Lidia Segni se vio disciplinado y con figuraciones esbeltas, al tiempo que el coro de la casa, cuyo titular es el maestro vienés Peter Burian, mostró grata sonoridad, flexibilidad y homogeneidad (no fueron obviamente de su responsabilidad, sino del concertador, sus innumerables desencuentros con el foso).
Es que lamentablemente Gregor Bühl (¿quién podría explicar la contratación para el podio del teatro Colón de un director tan mediocre?) brindó una versión realmente burda de esta indiscutible obra maestra del repertorio ligero, traducción que osciló entre el circo y la antimusicalidad.
LOS CANTANTES
En el cuadro de cantantes solistas, las dos sopranos principales exhibieron voces pequeñas, de audición por momentos dificultosa.
La sueca [noruega] Solveig Klingenborn (Hanna Glawari) expuso además cierta rigidez y una ostensible opacidad en la zona central, mientras que la rusa Lyuba Petrov (Valencienne) exteriorizó llamativamente progresiva debilidad en el sector agudo.
En otros papeles, Marisú Pavón (Zozó), Rosemarie Klingenhagen (Praskowia) y Alejandro Meerapfel (Kromow), al igual que Norberto Marcos (Vizconde Cascada), Ernesto Bauer (Bogdanowitsch), Carlos Ullán (Raoul de St. Brioche) y Leonardo Estévez (Pritschitsch) se desempeñaron con corrección.
El veterano bajo Reinhard Dorn (Barón Mirko Zeta) realizó por su lado una impagable encarnación histriónica de su divertido personaje, igual que Gustavo Zahnstecher (Njegus).
Pero los intérpretes más destacados de la noche fueron sin duda el barítono austríaco Matthias Hausmann (Conde Danilo Danilowitsch), quien además de buena desenvoltura escénica, demostró estilo, sobriedad y tersa y esmaltada línea lírica, y el tenor alemán Benjamin Bruns (Camille de Rosillon), que acreditó metal franco, de excelente legato y depurada emisión.
Fueron desde ya de primer nivel su romanza "Wie eine Rosenknospe" y la categoría del fraseo en el dueto "Sie sind eine anstsndage Frau".
Emma Vecla
Speranza
"La viuda alegre" en el Teatro Colón
"La viuda alegre" de Franz Lehár cerró la temporada lírica 2011 del Teatro Colón dejando una muy interesante sensación.
Sensación que puede ser felicidad, por la grandeza de esta música que no deja y nunca dejará de conmoverme.
O tal vez sorpresa, ya que a lo largo de los tres actos la producción fue creciendo de manera irrenunciable logrando una impactante puesta del Colón.
O también orgullo, por sentir a la hora del aplauso final que el objetivo se cumplió con creces, de la manera esperada, profesional e inteligentemente.
“La viuda alegre" de Franz Lehár relata la vida de una afortunada viuda y el intento de sus paisanos de mantener el dinero en el principado encontrándole un buen marido.
Su estreno en Viena, el 30 de diciembre de 1905, fue de gran éxito y en la actualidad es una de las obras más importantes e interpretadas del género.
En el Teatro Colón "La viuda alegre" se había presentado en tres ocasiones hasta hoy.
En 1955 y en 1974 la obra salió a escena con su versión en castellano y recién en el año 2001 se presentó en su idioma original, el alemán.
Esta última producción fue la que el Teatro Colón repuso para la presentación actual, con un importante y suntuoso diseño de escena que lleva la marca de Michael Yeargan.
Gran reconocimiento para este hombre que ha delineado una foto de época de comienzos del siglo pasado en cada acto con sus escenografías centradas en el "art nouveau" y que la Directora Candace Evans utilizó de forma impecable en su debut como "regie" en el Colón y en donde estuvo a la altura de un teatro que se encuentra entre los más reconocidos del mundo.
Evans hizo y deshizo con su puesta pero nunca perdió la línea, es acaso lo principal que uno pide a un "regie", seguir un lineamiento y no claudicar en su concreción.
Cuando no hay lógica en los pasos que se van dando es cuando comienza el principio del fin, muchos directores de escena se han enfrentado al repudio del público por no respetar una línea.
Evans demostró no solo ésto, sino que también detalló cada paso del coro y el ballet, llevándonos por momentos a un festival para la vista.
Ese orgullo del que hablaba al tratar de definir la sensación ante esta nueva producción del Colón... orgullo por sentir a la hora del aplauso final que el objetivo se cumplió con creces, de la manera esperada, profesional e inteligentemente.
¿Qué decir de la música?
Lehár logró con "La viuda alegre" un conjunto de grandes melodías de fácil audición, es una obra llena de hallazgos musicales y momentos inspirados.
Números populares, bailes regionales, una trama romántica principal y otra trama cómica secundaria hacen de "La viuda alegre" un verdadero modelo de opereta ligera.
La música fue interpretada de manera precisa por la Orquesta Estable del Teatro Colón bajo la dirección del maestro Gregor Bühl.
En escena los cantantes no solo cumplieron con su rol principal sino que llevaron adelante una actuación muy interesante que le dio vida a cada personaje y mantuvieron la acción sobre todo en el segundo y tercer acto.
Cuando se trata de interpretar piezas de humor es muy importante la continuidad y agilidad de los "sketchs" y esto se fue logrando a medida que pasaban los minutos y se instalaba la confianza en el escenario.
La soprano noruega Solveig Kringelborn llevó adelante el papel de Hanna Glawari, una interpretación con ciertos altibajos.
Su voz nunca logró un vibrato igualado teniendo graves problemas de volumen, es de rescatar su interpretación de la "Canción de Vilia" del segundo acto, pero lamentablemente falló en el final de la misma dejando una sensación ambigua con respecto a su rendimiento.
Mathias Hausmann fue el Príncipe Danilo.
El barítono, cuya extensión vocal es estable y su timbre cobra una gran notoriedad, deleitó con su actuación que fue brillante de principio a fin.
La soprano rusa Lyuba Petrova se puso en la piel de Valencienne resultando impecable en todas sus intervenciones.
Su voz de un timbre fino nunca sufrió complicaciones, manteniendo su tesitura y vibrato a lo largo de toda la obra.
Brillante el tenor Benjamin Bruns como Camille de Rosillon, inolvidable el dueto "Mein Freund, Vernunft" junto a Lyuba Petrova y su interpretación de la canción "Wie eine Rosenknospe".
Por otra parte el bajo Reinhard Dorn cumplió de buena manera con el rol de Mirko Zeta.
El Coro Estable del Teatro Colón, que tiene gran relevancia en la obra, como siempre sonó sublime y riguroso, luciéndose la mayoría de sus integrantes más allá del canto y llevando a cabo coreografías muy bien creadas por Candace Evans y Rodolfo Lastra.
La música e interpretación de la obra de Lehár, salvo pequeños detalles, estuvo acompañada por la calidad de la producción, dejándome esa sensación de felicidad ante la grandeza de la creación de Franz Lehár y de los intérpretes que la ejecutaron.
"La viuda alegre" en el Teatro Colón dejó múltiples e interesantes sensaciones.
Quizá la que comprenda el orgullo y la felicidad sea la sorpresa, y no porque el Colón no nos tenga acostumbrados a producciones importantes sino porque lo mejor que nos puede pasar es no perder la capacidad de sorprendernos...
Y eso sucedió en el estreno de una nueva puesta de "La viuda alegre" en el Colón y que sirvió de cierre de la presente temporada lírica.
Excelente puesta, gran trabajo del Ballet Estable, impecable diseño de vestuario de Mini Zuccheri, grandes interpretaciones de los solistas y una Orquesta viva en manos de Gregor Bühl hicieron de esta presentación una delicia para los sentidos, sin dejar de lado los guiños de humor adicionales a la obra... Palabras en castellano y la utilización de temas de nuestra actualidad en los "parlandos" generaron la complicidad y despertaron sonrisas en los espectadores.
Tal vez sea sorpresa esa sensación con la que me fui del Teatro Colón ya que a lo largo de los tres actos la producción fue creciendo de manera incontenible.
Brillante en el conjunto, sencillo en las formas e impactante en su totalidad.
Sí, fue sorpresa la sensación que dejó "La viuda alegre" en el Teatro Colón.
Alejandro César Villarreal
"La viuda alegre" en el Teatro Colón
"La viuda alegre" de Franz Lehár cerró la temporada lírica 2011 del Teatro Colón dejando una muy interesante sensación.
Sensación que puede ser felicidad, por la grandeza de esta música que no deja y nunca dejará de conmoverme.
O tal vez sorpresa, ya que a lo largo de los tres actos la producción fue creciendo de manera irrenunciable logrando una impactante puesta del Colón.
O también orgullo, por sentir a la hora del aplauso final que el objetivo se cumplió con creces, de la manera esperada, profesional e inteligentemente.
“La viuda alegre" de Franz Lehár relata la vida de una afortunada viuda y el intento de sus paisanos de mantener el dinero en el principado encontrándole un buen marido.
Su estreno en Viena, el 30 de diciembre de 1905, fue de gran éxito y en la actualidad es una de las obras más importantes e interpretadas del género.
En el Teatro Colón "La viuda alegre" se había presentado en tres ocasiones hasta hoy.
En 1955 y en 1974 la obra salió a escena con su versión en castellano y recién en el año 2001 se presentó en su idioma original, el alemán.
Esta última producción fue la que el Teatro Colón repuso para la presentación actual, con un importante y suntuoso diseño de escena que lleva la marca de Michael Yeargan.
Gran reconocimiento para este hombre que ha delineado una foto de época de comienzos del siglo pasado en cada acto con sus escenografías centradas en el "art nouveau" y que la Directora Candace Evans utilizó de forma impecable en su debut como "regie" en el Colón y en donde estuvo a la altura de un teatro que se encuentra entre los más reconocidos del mundo.
Evans hizo y deshizo con su puesta pero nunca perdió la línea, es acaso lo principal que uno pide a un "regie", seguir un lineamiento y no claudicar en su concreción.
Cuando no hay lógica en los pasos que se van dando es cuando comienza el principio del fin, muchos directores de escena se han enfrentado al repudio del público por no respetar una línea.
Evans demostró no solo ésto, sino que también detalló cada paso del coro y el ballet, llevándonos por momentos a un festival para la vista.
Ese orgullo del que hablaba al tratar de definir la sensación ante esta nueva producción del Colón... orgullo por sentir a la hora del aplauso final que el objetivo se cumplió con creces, de la manera esperada, profesional e inteligentemente.
¿Qué decir de la música?
Lehár logró con "La viuda alegre" un conjunto de grandes melodías de fácil audición, es una obra llena de hallazgos musicales y momentos inspirados.
Números populares, bailes regionales, una trama romántica principal y otra trama cómica secundaria hacen de "La viuda alegre" un verdadero modelo de opereta ligera.
La música fue interpretada de manera precisa por la Orquesta Estable del Teatro Colón bajo la dirección del maestro Gregor Bühl.
En escena los cantantes no solo cumplieron con su rol principal sino que llevaron adelante una actuación muy interesante que le dio vida a cada personaje y mantuvieron la acción sobre todo en el segundo y tercer acto.
Cuando se trata de interpretar piezas de humor es muy importante la continuidad y agilidad de los "sketchs" y esto se fue logrando a medida que pasaban los minutos y se instalaba la confianza en el escenario.
La soprano noruega Solveig Kringelborn llevó adelante el papel de Hanna Glawari, una interpretación con ciertos altibajos.
Su voz nunca logró un vibrato igualado teniendo graves problemas de volumen, es de rescatar su interpretación de la "Canción de Vilia" del segundo acto, pero lamentablemente falló en el final de la misma dejando una sensación ambigua con respecto a su rendimiento.
Mathias Hausmann fue el Príncipe Danilo.
El barítono, cuya extensión vocal es estable y su timbre cobra una gran notoriedad, deleitó con su actuación que fue brillante de principio a fin.
La soprano rusa Lyuba Petrova se puso en la piel de Valencienne resultando impecable en todas sus intervenciones.
Su voz de un timbre fino nunca sufrió complicaciones, manteniendo su tesitura y vibrato a lo largo de toda la obra.
Brillante el tenor Benjamin Bruns como Camille de Rosillon, inolvidable el dueto "Mein Freund, Vernunft" junto a Lyuba Petrova y su interpretación de la canción "Wie eine Rosenknospe".
Por otra parte el bajo Reinhard Dorn cumplió de buena manera con el rol de Mirko Zeta.
El Coro Estable del Teatro Colón, que tiene gran relevancia en la obra, como siempre sonó sublime y riguroso, luciéndose la mayoría de sus integrantes más allá del canto y llevando a cabo coreografías muy bien creadas por Candace Evans y Rodolfo Lastra.
La música e interpretación de la obra de Lehár, salvo pequeños detalles, estuvo acompañada por la calidad de la producción, dejándome esa sensación de felicidad ante la grandeza de la creación de Franz Lehár y de los intérpretes que la ejecutaron.
"La viuda alegre" en el Teatro Colón dejó múltiples e interesantes sensaciones.
Quizá la que comprenda el orgullo y la felicidad sea la sorpresa, y no porque el Colón no nos tenga acostumbrados a producciones importantes sino porque lo mejor que nos puede pasar es no perder la capacidad de sorprendernos...
Y eso sucedió en el estreno de una nueva puesta de "La viuda alegre" en el Colón y que sirvió de cierre de la presente temporada lírica.
Excelente puesta, gran trabajo del Ballet Estable, impecable diseño de vestuario de Mini Zuccheri, grandes interpretaciones de los solistas y una Orquesta viva en manos de Gregor Bühl hicieron de esta presentación una delicia para los sentidos, sin dejar de lado los guiños de humor adicionales a la obra... Palabras en castellano y la utilización de temas de nuestra actualidad en los "parlandos" generaron la complicidad y despertaron sonrisas en los espectadores.
Tal vez sea sorpresa esa sensación con la que me fui del Teatro Colón ya que a lo largo de los tres actos la producción fue creciendo de manera incontenible.
Brillante en el conjunto, sencillo en las formas e impactante en su totalidad.
Sí, fue sorpresa la sensación que dejó "La viuda alegre" en el Teatro Colón.
Alejandro César Villarreal
Emma Vecla
Speranza
MUSICA
El Art Nouveau, en todo su esplendor
Crítica. “La viuda alegre”. La opereta de Lehár, en una lograda producción escenográfica.
01.12.2011 | Por Sandra De La Fuente
Opera “La viuda alegre”
Con la reposición de La viuda alegre que se había presentado en 2001, el Colón cerró su temporada de ópera.
Aún sin querer hacer de la necesidad virtud, un primer reconocimiento se torna inevitable.
Si en aquella oportunidad las exquisitas actuaciones encabezadas por Thomas Allen y Frederica von Stade pudieron dejar los logros escenográficos un tanto relegados en la consideración crítica, hoy, con un elenco bastante más modesto, esa misma escenografía tal vez pueda recobrar su merecido primer plano.
No hay mal que por bien no venga.
En el clásico pero atractivo decorado, la organicidad vibrante del Art Nouveau lo ocupa todo, desde el primer hasta el último acto, en las oficinas de Pontevedro, en el jardín de la mansión de Hanna y, por supuesto, en el salón del Maxim’s.
La escenografía de Michael Yeargan, pertinentemente iluminada por Roberto Traferri, refleja con ese marco Belle Epoque el esplendor y decadencia de la gran burguesía europea.
El espacio está manejado con rigurosa economía.
Los vistosos números de baile y los diferentes movimientos corales no sólo tienen espacio generoso para desarrollarse, sino también recovecos donde agruparse para crear ritmos atractivos visualmente.
Sin embargo, la directora de escena estadounidense Candace Evans no consigue sacar total provecho de esta economía, y son muchos los momentos en los que mantiene estático y en pesada -y apretada- línea al coro, mientras el cuerpo de bailarines derrocha geometría con gran agilidad y espíritu festivo.
Evans tampoco parece haber dedicado demasiada energía al delineamiento de los personajes que, al igual que el coro, parecen en todo caso cincelados con el trazo grueso de la parodia y librados a su propia suerte.
Del elenco de cantantes despunta muy claramente el barítono austríaco Mathias Hausmann, el Danilo de esta producción, con voz de buen cuerpo y un timbre precioso que nunca suena forzado, en línea con una actuación de elegancia natural.
En cambio, Solveig Kringleborn, la soprano escandinava que canta el rol de la viuda Hanna Glawari, tiene un registro desparejo, con un amplísimo vibrato en los agudos e ínfima proyección en las notas graves.
Pero no hay que descartar que la expresión de Kringleborn se resintiera en su intento de sobreponerse al volumen de una orquesta que, dirigida por el alemán Gregor Bühl, sonó bien sincronizada internamente, pero poco atenta a las necesidades de un elenco de voces más bien pequeñas.
Sin contar con una necesaria adecuación dinámica del cuerpo orquestal, la soprano Lyuba Petrova en el papel de Valencienne, el tenor Benjamin Bruns en el de Camille, el barítono Norberto Marcos y el tenor Carlos Ullán, Vizconde Cascada y Raoul de Saint Brioche, y el resto de los comprimarios sonaron un poco apagados.
Incluso el potente bajo Reinhard Dorn -simpatiquísimo Mirko Zeta- pareció tener alguna dificultad para sobreponerse, en el principio, al conjunto instrumental.
MUSICA
El Art Nouveau, en todo su esplendor
Crítica. “La viuda alegre”. La opereta de Lehár, en una lograda producción escenográfica.
01.12.2011 | Por Sandra De La Fuente
Opera “La viuda alegre”
Con la reposición de La viuda alegre que se había presentado en 2001, el Colón cerró su temporada de ópera.
Aún sin querer hacer de la necesidad virtud, un primer reconocimiento se torna inevitable.
Si en aquella oportunidad las exquisitas actuaciones encabezadas por Thomas Allen y Frederica von Stade pudieron dejar los logros escenográficos un tanto relegados en la consideración crítica, hoy, con un elenco bastante más modesto, esa misma escenografía tal vez pueda recobrar su merecido primer plano.
No hay mal que por bien no venga.
En el clásico pero atractivo decorado, la organicidad vibrante del Art Nouveau lo ocupa todo, desde el primer hasta el último acto, en las oficinas de Pontevedro, en el jardín de la mansión de Hanna y, por supuesto, en el salón del Maxim’s.
La escenografía de Michael Yeargan, pertinentemente iluminada por Roberto Traferri, refleja con ese marco Belle Epoque el esplendor y decadencia de la gran burguesía europea.
El espacio está manejado con rigurosa economía.
Los vistosos números de baile y los diferentes movimientos corales no sólo tienen espacio generoso para desarrollarse, sino también recovecos donde agruparse para crear ritmos atractivos visualmente.
Sin embargo, la directora de escena estadounidense Candace Evans no consigue sacar total provecho de esta economía, y son muchos los momentos en los que mantiene estático y en pesada -y apretada- línea al coro, mientras el cuerpo de bailarines derrocha geometría con gran agilidad y espíritu festivo.
Evans tampoco parece haber dedicado demasiada energía al delineamiento de los personajes que, al igual que el coro, parecen en todo caso cincelados con el trazo grueso de la parodia y librados a su propia suerte.
Del elenco de cantantes despunta muy claramente el barítono austríaco Mathias Hausmann, el Danilo de esta producción, con voz de buen cuerpo y un timbre precioso que nunca suena forzado, en línea con una actuación de elegancia natural.
En cambio, Solveig Kringleborn, la soprano escandinava que canta el rol de la viuda Hanna Glawari, tiene un registro desparejo, con un amplísimo vibrato en los agudos e ínfima proyección en las notas graves.
Pero no hay que descartar que la expresión de Kringleborn se resintiera en su intento de sobreponerse al volumen de una orquesta que, dirigida por el alemán Gregor Bühl, sonó bien sincronizada internamente, pero poco atenta a las necesidades de un elenco de voces más bien pequeñas.
Sin contar con una necesaria adecuación dinámica del cuerpo orquestal, la soprano Lyuba Petrova en el papel de Valencienne, el tenor Benjamin Bruns en el de Camille, el barítono Norberto Marcos y el tenor Carlos Ullán, Vizconde Cascada y Raoul de Saint Brioche, y el resto de los comprimarios sonaron un poco apagados.
Incluso el potente bajo Reinhard Dorn -simpatiquísimo Mirko Zeta- pareció tener alguna dificultad para sobreponerse, en el principio, al conjunto instrumental.
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